Dani Barros a.k.a Jamy Boog - Actuación Acto Benéfico: Damán

Niki & Martha|Dear Dance|Documentary Of Hip Hop

Chillin′ in London - Jamy Boogz

Festival de Danza "MOVE IT" en el Olympia Londinense

20.000 bailarines, 3 días increíbles, un apasionante Festival de Danza... Bienvenido al "MOVE IT".

Forma parte del evento más importante del Reino Unido, los días 9, 10 y 11 de Marzo en el recinto Olympia de Londres. En el MOVE IT puedes crear tu última experiencia de baile; ver perfomances, 

tomar clases, comprar ropa para bailarines y encontrarte con expertos, todos en el mismo sitio.

Consigue las últimas noticias del Show!

20,000 dancers, 3 incredible days, one amazing festival of dance... Welcome to MOVE IT. 

Be part of the UK's biggest dance event on 9-11 March at London's Olympia.

At MOVE IT you can create your ultimate dance experience;watch performances, 

take classes, shop for dancewear and meet experts all in one place. 

Get show updates!

VIDEO del Evento del 2011

Adult Dance Classes 2011-12 at Trinity Laban in London

See our website for the timetable for 2011-12 classes in Contemporary Dance, Classical Ballet, Jazz, Yoga, Pilates-based Body Conditioning and Zumba Adult Classes at Trinity Laban.

- For people of all abilities age 16 and over.
- Enjoy dance and movement in a variety of techniques.
- Develop and broaden your dance skills through classes that progress from week to week.


Book today:
http://www.trinitylaban.ac.uk/​adultclasses

CND Flockwork Ensayos

Presentación de José Carlos Martínez, Director de la CND

Behind the Dance: Takademe - Blog Post / Alvin Ailey Pressroom

Behind the Dance: Takademe - Blog Post / Alvin Ailey Pressroom

Extractos de la nueva creación del Ballet de la Opera de PARIS "La Source"

Opéra national de Paris - actualité


Extractos de la nueva creación del Ballet de la Opera de PARIS, "LA SOURCE" de Jean-Guillaume Bart.
En cartel en el PALAIS GARNIER del 22 de octubre hasta el 12 de noviembre de 2011.

WORKSHOP
Izaskun & Ruth (BWMNS)
Sábado 1 de octubre 2011
Horarios: 
de 19:00 a 20:00 horas - Izaskun (Locking)
de 20:00 a 21:00 horas - Ruth (Hip Hop - New School)
Domingo 2 de octubre 2011
Horarios: 
de 11:00 a 12:00 horas - Izaskun (Hip Hop - New School)
de 12:00 a 13:00 horas - Ruth (Hip Hop - Old School)
PRECIOS:
1 DÍA > 25,00 Euros
2 DÍAS > 40,00 Euros
Lugar de Celebración:
COLISEUM Centro Deportivo
Rúa Areal 40 - interior - 36201 VIGO - Teléfono: 986 225 201
Inscripción en URBANZ STREET
C/Pilar 6 (Esquina Venezuela) -36202 VIGO
Teléfono: 886 11 65 11
+ Información llamando al Móvil: 635 87 90 80 (Jamy Boogz)

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Octava Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Sexta Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Septima Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Quinta Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Cuarta Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Tercera Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Segunda Eliminatoria

Bboying 1/8 final Marisquiño 2011 - Primera Eliminatoria

Workshop Popping Impartido por Phillip a.k.a. Boogie, Vigo, 30 de Julio, COLISEUM Centro Deportivo

Workshop Popping
Impartido por Phillip a.k.a. Boogie
VIGO, Sábado 30 de Julio 2011
Lugar de Celebración:
COLISEUM Centro Deportivo

Horario:
1ª SESIÓN de 17:30 a 19:00 horas
2ª SESIÓN de 19:00 a 20:30 horas

PRECIO por Sesión:
15,00 Euros
PRECIO Sesión Completa:
25,00 Euros

Organizador: Estudio 41

INSCRIPCION:
Coliseum Centro Deportivo
Rúa Areal 40 (Interior)
Tel: 986 225 201

URBANZ STREET
C/Pilar nº 6 (Esquina Venezuela) en Vigo
Teléfono: 886 11 65 11

Puedes mandar un E-mail con tus datos a la siguiente dirección: danibarros92@gmail.com

Khrys (winner) vs Sacha Final SUMMERDANCE 2011 POPPIN

STOCKOS Juez SUMMERDANCE 2011 POPPIN

Sacha (winner) vs Dani Barros semifinal SUMMERDANCE 2011 POPPIN

Yuk juez Looking summerdance 2011

Flex vs Khrys Semifinales Summerdance 2011

Bejart Ballet Lausanne in Morning Class

American Ballet Theater II Promotional Video

60 Festival Internacional de Música y Danza de Granada

60 Festival Internacional de Música y Danza de Granada

Del 24 de junio al 12 de julio de 2011

En 2011 el Festival Internacional de Música y Danza de Granada celebra su 60 edición, un aniversario que en su programación engloba otras conmemoraciones muy relevantes en la historia cultural europea. Hacemos Festival es el lema con el que se invita a artistas, público, instituciones y empresas a disfrutar de esta fiesta de la cultura.

Los palacios nazaríes, edificios renacentistas y jardines de la Alhambra y del Generalife constituyen la mejor tarjeta de presentación de este Festival y un marco sobresaliente para la música y la danza. La programación de este año alberga múltiples citas y referencias a otros acontecimientos o aniversarios, como el estreno en España y en coproducción de la ópera Ainadamar con motivo del 75º aniversario de la muerte de Federico García Lorca; la recuperación con carácter de estreno de la ópera dieciochesca Solimano; los estrenos absolutos de Negro-Goya a cargo del Ballet Nacional de España y de Federico según Lorca por el Eva Yerbabuena Ballet Flamenco; el estreno de cinco obras para piano incluidos en los recitales dedicados a Franz Liszt como parte del programa internacional MusMA (Music Masters on Air); el ciclo de actividades en memoria del genial polifonista Tomás Luis de Victoria; la presencia del Ballet y Orquesta del Teatro Stanislavsky de Moscú en el marco del Año Dual España-Rusia 2011, así como del Víctor Ullate Ballet en el festival; el estreno del espectáculo "mestizo" del grupo Accademia del Piacere y el cantaor Arcángel; las presencias de Estrella Morente y Rocío Molina con el flamenco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, o la inmersión en el universo de Vivaldi a cargo del sorprendente conjunto Forma Antiqva.

Página Oficial del Festival (Pulse aquí)

Más información (Agenda Cultural)

SUMMER DANCETIME 2011, Sábado 2 de JULIO BARCELONA-BADALONA

SUMMER DANCETIME 2011
Sábado 2 de JULIO/BARCELONA - BADALONA
De 15:00 a 21:00 horas
- POPPING: STOCKOS
- LOCKING: LLUC
- HOUSE: RICKY SOUL
- HIP HOP : MISTY-K
- B.BOYING: VENTO - BESTYLE -CEEJAY

Summer Dancetime 2011 from Intelligent Movement on Vimeo.

Rugged Solutions vs Bboy France Team | Bboy Crew Final | EUROBATTLE 2011

BOU BOU and LUFEY vs CLARA and RUTH | HipHop Final | EUROBATTLE 2011

AT & RAMONA vs TANIA & MOVIE1 (EUROBATTLE 2011) WWW.BBOYWORLD.COM

A EUROBATTLE OPORTO 2011, NO CANAL 180

EUROBATTLE OPORTO 2011

Situación geográfica:
4445-358 Porto, Portugal

Información International Hip-hop Dance Event

29th, 30th April and 1st May

Descripción de la empresa International Hip-hop Dance Event

Descripción 7th Edition - 29th, 30th April & 1st May
Misión Urban Dance Worldwide Promotion

Dirección de correo electrónico info@eurobattle.pt
Sitio web http://www.eurobattle.pt

CÁDIZ EN DANZA LLEGA A SU X EDICIÓN

Festival Internacional Cádiz en Danza
Del 27 de abril al 1 de mayo 2011

En este año se celebra la X Edición del Festival Cádiz en Danza, que durante cinco días, del 27 de abril al 1 de mayo, ocupará toda la ciudad con los lenguajes más diversos de la danza.

Organizado por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento gaditano, Cádiz en Danza es, después de diez años, un proyecto consolidado, que cuenta con un público fiel tanto en la ciudad como fuera de ella y que ha conseguido convertirse en un referente para las nuevas tendencias del arte del movimiento. Principalmente enfocado a la danza contemporánea en su máxima diversidad, Cádiz en Danza, sin embargo, no es excluyente y contempla en su programación otros lenguajes de la danza como el flamenco.

Cádiz en Danza no es solo un contenedor donde compañías nacionales e internacionales de reconocido prestigio pueden mostrar sus últimas creaciones, sino también un incentivador de proyectos, ofreciendo la posibilidad a jóvenes creadores e intérpretes de contrastar su arte con el público.

Como una explosión de danza en el tiempo que dura el evento, este Festival se desarrolla por toda la ciudad, utilizando tanto espacios escénicos convencionales como la Sala Central Lechera o el Gran Teatro Falla y espacios públicos, algunos tan emblemáticos como la plataforma entre-catedrales o el restaurado Mercado Central. Algunas de estas piezas pensadas y creadas para el espacio público podrán verse en otros emplazamientos, poniendo así de relieve la importancia de lo arquitectónico en su percepción.

Además, Cádiz en Danza contará también con actividades paralelas como talleres, proyecciones de video-danza y una exposición de conmemoración de los diez años del Festival, que se inaugura el 2 de abril en el Baluarte de la Candelaria, sede del Festival.

Más información:

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JUST DEBOUT 2011 - Bercy - PARIS

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DANZA HIP HOP JUST DEBOUT 2011 BERCY - PARIS ver web para más detalles (workshops + pre-selecciones) The International Hip Hop Dance Meeting of Paris is now the key event in Hip Hop dance in the world. This meeting reward dancers for their originality, musicality. For of the prominent technics of Hip Hop dance will be explored: Locking, Popping, Hip Hop et House Dance. A 5th category, Experimental, will be proposed, to open the dance to new view. Come and see dance for more than 8 hours and meet the greatest Hip Hop dancers of the world!! You can see the trailer of the last event on www.juste-debout.com and talk on the forum.

Más Información en la página oficial:

http://www.juste-debout.com/fr_FR/in/mydwv3r423-juste-debout-2011

EUROBATTLE SPAIN 2011

POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA!!!!! Clasificación Nacional España DE DANZAS URBANAS para las finales internacionales en EUROBATTLE INTERNATIONAL, OPORTO (portugal) JURADO NACIONAL/INTERNACIONAL - DJ MASTI y DJ SKIZO Competiciones: Newstyle 2vs2 / Bboying crews de 4 a 6 / Popping 1vs1 / Bgirling 2vs2 Video trailer EUROBATTLE INTERNACIONAL 2010 http://www.youtube.com/watch?v=EpbYCJAsQZw Los ganadores de cada disciplina participarán directamente clasificados y REPRSENTANDO ESPAÑA con todos los gastos pagados (vuelo + hotel + dietas) en las FINALES INTERNACIONALES en OPORTO (PORTUGAL) los días 29/30 Abril y 1 de Mayo 2011. 2 ZONAS DE BAILE!!! CORROS!!! ILUMINACIÓN Y MUUUUCHA BUENA MUSICA!!!!!!!!!! Precio: 10 € !!! Participantes: 7 € !!! + info e inscripciones Abiertas envía...

Jornada de Puertas Abiertas de la Escuela de Enseñanza Secundaria Artística / Conservatorio Profesional de Danza

La escuela integrada de Grado Profesional de Danza y Educación Secundaria Obligatoria (ESO) del Institut del Teatre de Barcelona organiza una jornada de puertas abiertas para presentar el contenido de sus pruebas de acceso para el curso 2011-2012, el sabado 26 de febrero.

Para esta jornada se convocan dos sesiones informativas de libre acceso, a las 11 y a las 12 h, y se realizarán visitas guiadas por las instalaciones del centro en la sede del Institut del Teatre en Barcelona (Plaza Margarida Xirgu, s/n, detrás del Mercat de les Flors). Dónde estamos

Entrada libre

Contenido de las pruebas de acceso 2011-2012 consultable en el portal web de Futuros estudiantes del Institut del Teatre:

http://futurosestudiantes.institutdelteatre.cat/

Facebook del IT http://www.facebook.com/institutdelteatre

LA DANZA presenta el WORKSHOP impartido por PHILIPPE a.k.a. Boogie, sábado 5 de Febrero en Vigo

El próximo sábado 5 de Febrero, en la ciudad de Vigo, tendrá lugar EL WORKSHOP de Popping impartido por PHILIPPE a.k.a. Boogie.
Bailarín y coreógrafo internacional, 2 veces en octavos de final del prestigioso Certamen "JUSTE DEBOUT", FINALISTA del programa de TV(Cuatro)"TIENES TALENTO".
Lugar de celebración: Vigo
Centro: máisqueauga, Areas Deportivas Municipáis - Centro de Florida-COIA

Horario y tarifa sesiones:
> 1ª SESIÓN de 17:00 a 18:30 horas(15,00 €)
> 2ª SESIÓN de 18:30 a 20:00 horas(15,00 €)
> SESIÓN COMPLETA (25,00 €)

INSCRIPCIÓN ANTES DEL 2 DE FEBRERO:
Tienen que figurar los siguientes datos:
- Nombres y Apellidos de quién hace el ingreso.
- El concepto del ingreso: WORKSHOP de Philipp a.k.a Boogie - sábado 5 de febrero 2011.
- Confirmar la Sesión (1ª o 2ª sesíon) o Sesión completa.
- Envíar un correo electrónico para confirmar el pago antes del 2 de febrero a la siguiente dirección: danigroove@hotmail.com


> INGRESO EN LA CUENTA CORRIENTE DE NOVACAIXAGALICIA:
2080 / 0046 / 37 / 0040027046

Más INFORMACIÓN en el Teléfono de CONTACTO: 635 879 474
o bien por mail: danigroove@hotmail.com

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Presentación de la VIII Edición del FESTIVAL FOLKINVIERNO

FESTIVAL FOLKINVIERNO

LA CONCEJALÍA DE CULTURA DEL AYUNTAMIENTO DE LAS ROZAS PRESENTA LA NUEVA EDICIÓN DE FOLKINVIERNO
En su octavo año, el festival amplía su oferta musical a ocho conciertos y ofrece talleres, cursos y una exposición de fotografías antiguas de Las Rozas.

La concejal de cultura y directora del festival, Isabel Grañeda, y el coordinador artístico del festival y director de la Cía. Ibérica de Danza residente en el municipio de Las Rozas, Manuel Segovia, presentan la octava edición de este festival, que este año ofrece una panorámica de la música ibérica, con artistas procedentes de Portugal, Asturias, Madrid, Cataluña, Castilla-León y la ribera del Mediterráneo.

Formaciones de referencia, como los valencianos Urbàlia Rurana y La Romàntica del Saladar, o los portugueses Gaiteiros de Lisboa, y propuestas frescas que dan continuidad al legado de la tradición oral, como Kéltiber o Folkincats, se darán la mano en esta edición que incrementa su oferta de conciertos respecto a las anteriores. El toque cosmopolita e internacional lo pondrán los berlineses 17 Hippies.
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DIA: MARTES, 25 DE ENERO DE 2011
HORA: 13:00 HORAS
LUGAR:
SALA POLIVALENTE DE LA CONCEJALÍA DE CULTURA DE LAS ROZAS
C/ CAMINO DEL CAÑO, Nº 2
LAS ROZAS
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Para mayor información: Contacto de prensa del Festival Folkinvierno
Raquel Berini – Araceli Tzigane
Email: folkinvierno@gmail.com
Tfnos.: +34 696 64 95 12 – +34 676 30 28 82
www.myspace.com/folkinvierno

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Estreno del espectáculo "Ballet de los Pueblos del Mundo"

ESTRENO del espectáculo para 2011 denominado "BALLET DE LOS PUEBLOS DEL MUNDO". Creado e interpretado por el ballet ARA DE MADRID, bajo la dirección y coreografía de Carmina Villar, acompañado por la rondalla del Ballet, dirigida por Miguel Angel López.

Se interpretan danzas de todo el mundo

Dia 22 de enero (sábado) en el Teatro AUDITORIO Municipal de Boadilla del Monte, en calle Isabel de Farnesio.
Horario: 19:00 horas
Duración aprox.: 100 minutos.

Venta anticipada de entradas en tele-entrada (de la caixa) y el mismo día en las taquillas del teatro.

Para mayor información:

Secretaría Técnica del Ballet ARA DE MADRID

Teléfono de contacto: 609 068 884

www.arademadrid.com
info@arademadrid.com

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Videos imprescindibles de Hip Hop en sus diferentes modalidades

Video Hip Hop nº 3:
Neguin VS Just Do It - FINAL BATTLE - Red Bull BC One Tokyo 2010

Videos imprescindibles de Hip Hop, en sus diferentes modalidades

Video Hip Hop nº 1:
Cloud vs Neguin - Red Bull BC One 2009 - Semifinales

Videos imprescindibles de Hip Hop en sus diferentes modalidades

Video Hip Hop nº 2:
Daniel "Cloud"

Daniel "Cloud" Campos es director, bailarín y coreógrafo profesional de breakdance y extremedance, también participó en algunas películas como actor. Nació el 6 de mayo de 1983 en Adel, Georgia pero se crió en San Diego, California. A la edad de 19 años se unió a la banda EXACT, posteriormente formó parte del Al Fuentes High Voltage Extreme Acrobatic Dance Team donde comenzó a bailar breakdance con Skill Methodz.

Fué el bailarín de Madonna en los Tours Re-Invention en 2004 y Confessions en 2006, además de participar en los videoclips Hung Up y Sorry. También aparece en el documental "I'm Going to Tell You a Secret" y actuó en "Live 8" y "Live Earth" con Madonna.

Cloud también trabajó con artistas latinos, con Paulina Rubio en el video Nada Puede Cambiarme y en videoclips de Rhianna y MVP. Luego reapareció en 2009 bailando con Shakira en el video Lo Hecho Esta Hecho. Como director co-dirigió un cortometraje titulado "Heaven Awaits".

Más información de Daniel "Cloud" Campos:

http://www.imdb.es/name/nm2062817

http://www.imdb.com/name/nm2062817/

http://www.mostbeautifulman.com/misc/danielcampos/bio.shtml

Videos Imprescindibles de Hip Hop, en sus diferentes modalidades

Video Hip Hop nº 4:
Gravity VS Lil G - Round 1 - Red Bull BC One Tokyo 2010

Videos de Presentación de la Nueva Temporada en la Opera National de Paris

Opéra national de Paris

Nueva Temporada en la Opera National de Paris

Presentación

EL GRAN TEATRO DEL MUNDO

Es así que hemos querido nombrar la temporada 2010-2011 de la Opéra de national de Paris: de Haendel a Mantovani, del ballet romántico a la creación contemporánea, muchos estilos y estéticas estarán presentes, y gracias a los grandes artistas de hoy, cantantes, bailarines, músicos, coreógrafos y directores de escena.

Les invito a descubrir esta temporada que hemos querido ecléctica, rica y apasionada.

Niclas Joel
Director de la Opéra national de Paris

http://saison10-11.operadeparis.fr/

http://www.operadeparis.fr/cns11/live/onp/

Julie Dossavi hace swingar la ciudad francesa de Angoulême

Después de hacer bailar la ciudad de Angoulême en mayo del pasado año, la bailarina y coreógrafa Julie Dossavi vuelve a la escena de Angoulême con su última creación: "El Abuelo no le gusta el Swing". Sobre ritmos africanos del percusionista Ivan Talbot, Julie Dossavi cuenta la cultura negra americana y sus ídolos.

Angela Davies, Nina Simone, Billie Holiday... tantas célebres mujeres que hicieron avanzar, cada una de ellas a su manera, la causa negra americana. Julie Dossavi es una de ellas. Después de ser descubierta por Philippe Decouflé, esta joven mujer supo hacerse un nombre en el mundo de la coreografía. Ella no baila, ella cuenta una histora. La de un abuelo que no le gusta el Swing!

De gira en 2011, del 12 hasta el 14 de enero en Angoulême, el 18 en Poitiers, los días 7 y 8 de febrero en Paris, el 11 en Bressiure...

EXPOSICIÓN DE VÍDEODANZA En el marco del Festival ‘IDN Imagen, Danza y Nuevos medios’

Proyección de las obras seleccionadas del Premio Videodanza Barcelona.

Del 13 al 21 de enero, la Sala de exposiciones del Institut del Teatre acoge la Muestra de vídeo danza “IDN Imagen Danza y Nuevos medios” donde se proyectarán las obras internacionales seleccionadas entre les más de doscientas inscritas en la convocatoria del III Premio Videodanza Barcelona.

Acompaña la exposición “CLEAR NIGHT or how the children sleep”, proyecto instalativo fruto del proceso de investigación sobre el diálogo entre texto e imagen, que la compañía Mal Pelo (María Muñoz y Pep Ramis) ha realizado los últimos años, paralelamente a sus proyectos escénicos.

IDN es un festival organizado por NU2'S en coproducción con el Mercat de les Flors de Barcelona.

Inauguración jueves 13 de enero, a las 19 horas. Entrada libre.

Más información clicando aquí: IDN

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El Teatro Nacional de Chaillot de Paris inicia la temporada 2011 con Philippe Découflé.

El Teatro Nacional de Chaillot de Paris inicia la temporada 2011 con Philippe Découflé. El coreógrafo francés presenta a partir del 5 de enero "OCTOPUS", un espectáculo multimedia privilegiando la danza y cuyo eje principal gira en torno a la belleza. La obra está programada para realizar una gira por toda Francia.

Para más información puedes visualizar la entrevista realizada a Philippe Découflé en el canal de la TV pública France 2 (Versión en francés).

Upcoming preformances of "Eonnagata" in France:

Eonnagata
Upcoming preformances of "Eonnagata" in France:

Theatre des Champs Elysées Paris :

29, 30, 31 December 2010

1, 2, 5, 6, 7, 8, 9 January 2011

Toulouse Blagnac : 13, 14 January 2011

http://www.sylvieguillem.com/

La Bailarina Estrella Sylvie Guillem propone un nuevo espectáculo en el Théatre des Champs-Elysée de Paris hasta el 9 de enero 2011, acompañada de grandes puntales de la danza, del teatro y de la puesta en escena: el británico Russell Maliphant, y el canadiense Robert Lepage. Juntos encarnan el Caballero d´Eon, un espía transexual a sueldo de Louis XV. Para contar su historia a través de tres periodos de su vida, han elegido inspirarse en el teatro Kabuki.... (+)

Para más información puedes visualizar el Video Reportaje (Versión en francés).

George Balanchine

George Balanchine
(San Petersburgo, 22 de enero de 1904 - Nueva York, 30 de abril de 1983)

Georgi Melitonovitch Balanchivadze, mejor conocido por su nombre artístico de George Balanchine ("bautizado" así por Diaghilev al considerar que el apellido georgiano era muy difícil para pronunciarlo en Occidente), nació en San Petersburgo, Rusia. Fue hijo del compositor Meliton Balanchivadze y María Nikolayevna Vassilyeva.

Ser bailarín no fue la primera opción de vida para el niño Georgi, había optado por ser oficial naval. Pero como la Academia Imperial Naval había llenado su cupo y como Georgi acompañó a su madre y hermana a la audición que esta última haría por segunda ocasión para ingresar a la Escuela Imperial de Teatro y Ballet, fue alentado a realizar el examen para "aprovechar el tiempo". Georgi, irónicamente, fue aceptado, pero su hermana no.

De esta forma, en agosto de 1914, ingresó a la edad de nueve años a la Escuela Ballet de Petrogrado (que así se conocía entonces a la escuela de ballet del Teatro Maryinski). Fueron sus maestros, entre otros, Pavel Gerdt (1844-1917) y Samuel Constantinovitch Andreyanov.

Entre sus condiscípulos se encontraban Leonid Lavroski (1905-1967) y Piotr Gusev (1904-1987). Balanchine se graduó con honores en 1921. Ese mismo año se incorporó al cuerpo de baile del Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet (GATOB por sus siglas en ruso), compañía que primero fue conocida como el Ballet del Teatro Maryinski , posteriormente como el Ballet Kirov , ahora Ballet de San Petersburgo .

Durante los difíciles primeros años de la Revolución Rusa, Balanchine ganó algo de dinero y comida tocando el piano en cabarets y salas donde se proyectaban películas mudas. Según algunos historiadores, Balanchine comenzó a coreografiar en su adolescencia. Su primer obra se titula La noche, creada alrededor de 1920. Basada en una partitura de Anton Rubinstein, fue un pas de deux interpretado por una joven estudiante y él, la cual llegó a ser calificada como "un escándalo de erotismo".

Un poema , con música de Fibich, fue la segunda coreografía realizada por Balanchine. Ésta fue interpretada por Alexandra Danilova (1903-1997) y por él. La pieza fue descrita como "bella y poética" y obtuvo gran éxito de público.

Enigma fue otra de sus primeras obras. Al respecto existe el dato curioso de que fue concebida para ser bailada sin zapatillas, al estilo de la entonces naciente danza moderna. Esto no resulta sorprendente, pues San Petersburgo era un centro cultural que tenía una fuerte actividad vanguardista. Como describe Ferdinando Reyna, "hacia 1920, el teatro coreográfico de la URSS lleva el sello de la creación de ballets bastante confusos y montados sobre conceptos nuevos: el futurismo y el constructivismo".

En 1923, Balanchine y algunos de sus compañeros de generación fundan el Ballet Joven , agrupación para la cual coreografió diversas obras. Sin embargo, para ese tiempo las autoridades culturales soviéticas habían dejado de apoyar las actividades vanguardistas para favorecer a la estética de estado ( Realismo Socialista) por lo que sus presiones propiciaron la disolución de este grupo. En el verano del año siguiente, el joven Balanchine, Alexandra Danilova, Tamara Geva (1906-1997) -quien sería la primera esposa del coreógrafo-, y Nicholas Efimov son autorizados a salir de la Unión Soviética para realizar una gira a Europa Occidental.

En Londres son vistos por Serge Diaghilev (1872-1929), el trascendental fundador de los Ballets Rusos , quien los invitó a audicionar para su ingreso a la compañía. Balanchine, según algunas fuentes ingresó a la compañía en Venecia en 1925 y para otras fue aceptado en una audición celebrada en Alemania. Balanchine destaca como bailarín pero, desgraciadamente, sufre durante su estancia en los Ballets Rusos una severa lesión en la rodilla que lo obliga paulatinamente a dejar de bailar y concentrarse en ser coreógrafo.

Al salir de la agrupación Bronislava Nijinska (1891-1972) - la entonces coreógrafa principal -, Diaghilev nombra a Balanchine como su sucesor. Para los Ballets Rusos , Balanchine crea once coreografías: El canto del ruiseñor y Barabau (ambas de 1925); Romeo y Julieta Entr'acte, Jack in the box, El triunfo de Neptuno así como La Pastoral (todas ellas de 1926); La gata (1927); Apolo musageta y Los dioses piden limosna (1928) ; Le Bal así como El hijo pródigo (ambas de 1929).

Al desintegrarse los Ballets Rusos, a causa del fallecimiento de Diaghilev, Balanchine transita por varios proyectos desde coreografías para películas, uno de ellos con la bailarina Lydia Lopokova (1891-1981), a espectáculos populares como las Cochran Revues hasta efímeros contactos con el Ballet Real de Dinamarca, el Ballet de la Ópera de París, los Nuevos Ballets Rusos y los Ballets Rusos de Montecarlo. Con el apoyo de Boris Kochno (1904-1990), el último secretario privado de Diaghilev, y el socialité Edwards James, Balanchine funda Les Ballets 1933, agrupación de cortísima existencia. Para esta compañía crea seis obras entre ellas el último trabajo conjunto de Kurt Weill (1900-1950) y Bertolt Brecht (1898-1956) titulado Los siete pecados capitales de los pequeños burgueses (1933), obra cuya trama ocurre en siete ciudades de Estados Unidos .

Hacia el NYCB
Poco después de la desintegración de Les Ballets 1933, Balanchine conoce a Lincoln Kirstein (1907-1996), quien en su proyecto de crear un "ballet norteamericano" invita Balanchine a emigrar a Estados Unidos, llegando a Nueva York en octubre de 1933.

Aunque el propósito inicial de su viaje a Estados Unidos era establecer una compañía de ballet en ese país, "con bailarines norteamericanos y que no dependiera del repertorio europeo", Balanchine modificó los planes originales creando primero una escuela: la School of American Ballet (SAP), la cual inicia sus actividades el dos de enero de 1934. Cabe acotar que parte esencial del éxito del NYCB fue el entrenamiento de sus propios bailarines depurando poco a poco el llamado estilo norteamericano de ballet . Balanchine mismo afirmó en alguna ocasión que la estructura básica del bailarín norteamericano fue responsable de inspirarle algunas de las llamativas líneas de sus composiciones.

La primer coreografía que Balanchine crea en el Nuevo Mundo es Serenata (1934) a música de Chaikovski con estudiantes del SAB. Considerado un "ballet abstracto", Serenata es descrita como una "trama musical y coreografía" sin intención narrativa, que, sin embargo, sugiere "diversas emociones y situaciones humanas".
Alfio Agustini anota: en Serenata, "Balanchine compuso una coreografía de absoluta esencialidad técnico-estilística, pero que contiene in nuce toda la poética de su adamantino y, sin embargo, complejo 'clasicismo de danza".

Pero llegar a lo que hoy conocemos como el New York City Ballet fue un proceso mucho más largo y complicado. El primer intento llevó por nombre American Ballet que hace su debut en marzo de 1935. Muy pronto se convierte en la compañía oficial de la Ópera Metropolitana, pero por desacuerdos de ambas partes, el proyecto finaliza a sólo tres años de existencia.

A partir de la segunda mitad de la década de los treinta, Balanchine realiza diversos trabajos para Hollywood y Broadway. En 1941, Balanchine y Kirstein fusionan temporalmente el Ballet Caravan (compañía que ya existía desde 1936) con el American Ballet resultando así el American Ballet Caravan para emprender una gira que dura cinco meses a Sudamérica, llevando en el repertorio obras tan importantes como Concierto Barroco y Ballet Imperial (conocida después Concierto para piano N° 2 de Chaikovski) ambas obras creadas en 1941 . Pese a sus esfuerzos y logros, este proyecto se desintegra a su regreso a Estados Unidos. Entre 1944 y 1946, Balanchine es contratado por los Ballets Rusos de Montecarlo durante la dirección de Sergei Denham para sustituir a Massine.

Esta compañía es muy importante para dar a conocer a Balanchine y su trabajo coreográfico a todo Estados Unidos, ya que la agrupación viajaba a lo largo de nueve meses al año por todo el país. De este modo, diversas ciudades norteamericanas pudieron apreciar obras como Danzas concertantes (1944), Night Shadow, luego llamada La Sonnanbula, (1946) entre muchas otras.

El siguiente intento de Balanchine y Kirstein por crear una compañía de ballet llevó por nombre Ballet Society (1946). Para esta pequeña compañía de público restringido Balanchine estrenó Los cuatro temperamentos (1946) y Orfeo (1948) entre algunas otras obras. Morton Baum, presidente del Comité Ejecutivo del New York City Center of Music and Drama invita al Ballet Society a ser su compañía de ballet residente, deviniendo así en el actual New York City Ballet .

La primer función del NYCB tiene lugar el once de octubre de 1948 con un programa integrado por Concierto Barroco, Orfeo, Sinfonía en Do (cuyo título) original fue El palacio de cristal y fue estrenada un año antes por el Ballet de la Ópera de París). En 1950, el NYCB realiza su primera gira a Europa. En 1962, son invitados a la Unión Soviética presentándose en el Teatro Kirov, el alma mater de Balanchine. A partir de 1964 el NYCB tiene por sede el New York State Theatre en el Lincoln Center , el cual fue construido de acuerdo con varias de las sugerencias hechas por Balanchine.

La última coreografía creada por Balanchine fue Variaciones para orquesta (1982) un solo interpretado por Suzanne Farrell (1945). Hasta su muerte, George Balanchine llevó el título de maestro de ballet del NYCB .


Su Danza
"Primero llega el sudor. Después viene la belleza, si tienes mucha suerte y has dicho tus oraciones", afirmaba Balanchine al hablar sobre su proceso creativo.
Yo no soy una de esas personas quienes crean en lo abstracto, en algún bonito y silencioso cuarto de su casa -añadió el coreógrafo. "Si no tengo un estudio a dónde ir, con bailarines esperándome para darles algo que hacer, yo podría olvidar que fui un coreógrafo. Necesito tener cuerpos reales, vivientes, para observar. Ver cómo este puede estirarse y el otro puede saltar y aquél puede girar. Así yo puedo comenzar a tener algunas ideas".

El pensamiento coreográfico de Balanchine es un crisol en donde se fusionaron distintas influencias que van desde el gran academicismo de Marius Petipa (1818-1910), pasando por la ruptura que instaura Mijail Fokine (1880-1942) hasta uno de los vanguardistas del ballet ruso de los años veinte: Kasyan Goleizovski (1892-1970).

Para algunos investigadores rusos contemporáneos, Fyodor Lopujov (1886-1973) fue el principal ascendente artístico de Balanchine, ya que mucho del pensamiento balanchiniano sobre la relación música-danza tiene sus orígenes en las propuestas de Lopujov. Estos mismos analistas rusos, sostienen que es posible detectar una rama genealógica que parte de Lopujov, continúa en Balanchine y se extiende a la coreógrafa mexicana Gloria Contreras (1934).

Para una nueva generación de estudiosos anglosajones de la danza de Balanchine es posible detectar influjos en la obra de Balanchine procedentes de artistas como el coreógrafo norteamericano de comedias musicales Busby Berkeley (1895-1976), la bailarina negra Josephine Baker (1906-1975) en lo particular y la danza afroamericana en lo general. Tan disímiles ascendientes llevaron a Balanchine perfilar sus ideas de que la danza era un arte absolutamente independiente y no arte secundario. "Lo importante en el ballet es el movimiento en sí mismo. Un ballet puede contener una historia, pero el espectáculo visual... es el elemento esencial. El coreógrafo y el bailarín deben recordar que ellos llegan a la audiencia a través de la mirada. "Es la ilusión creada con la cual convencen al público, muy similar al trabajo de un mago", escribió Balanchine. Vale la pena resaltar en este punto lo escrito por el crítico musical Allan Ullrich en un reciente artículo en que afirma que Balanchine pedía a su público disfrutar sus danzas y la música por su belleza intrínseca, más que por cualquier significado oculto.


Sus Aportaciones
Horst Koegler puntualiza que con la coreografía Apolo musageta (doce de junio de 1928, Teatro Sarah Bernhardt, París), con música de Igor Stravinski (1882-1971) y diseños de André Bauchant, George Balanchine no sólo encuentra su propia personalidad artística, sino que da nacimiento al estilo neoclásico , o ballet abstracto, como también se le conoció durante algún tiempo. Aunque en esta obra, conocida a partir de 1957 simplemente con el título de Apolo, la trama está subordinada al trazo coreográfico, Balanchine "no sólo despoja la danza académica a una magra claridad, sino que retrabaja su vocabulario con nítido e ingenioso giro modernista", refieren Debra Craine y Judith Mackrell.

Vale mucho la pena citar en extenso a Mario Pasi, quien refiere que en Apolo "Stravinski, saliendo de un pasado nutrido de temas violentos, de ruptura y provocación cultural, se dirigía hacia un orden y una armonía superiores, al culto de la belleza desvinculada de toda lógica material. Stravinski miraba al pasado, a un racionalismo intelectual, a un mundo que debía ser purificado del caos y que esperaba justicia no ya de abajo, de la fuerza primordial de las masas, sino de la sabiduría del príncipe. He aquí pues, que Apolo asume el significado de una revisión, de un recodo en el camino: el pasado consuela al presente porque el futuro ya no promete liberación dinámica. Es también un retorno a Petipa en una visión dinámica y fuertemente caracterizada de la coreografía, nada dulce, en efecto, de Balanchine y, al mismo tiempo, referida al clasicismo. Apolo combina, pues, el estilo del ballet tradicional, el pasado a lo Lully y el rigor geométrico de los tiempos modernos, convirtiéndose en un ejemplo claro de aquella cultura que se definará como neoclásica".

Añade Pasi que la idea de Stravinski acerca de este ballet era, en último término, la recuperación de la clásica belleza formal mediante la conquista de la pureza en un mundo definitivamente ordenado por la inteligencia. El especialista italiano destaca que desde el punto de vista exclusivamente dancístico Balanchine proponía en la línea tradicional, módulos y variantes bien distintos en el juego de un bailarín [Serge Lifar (1905-1986)] y tres bailarinas [Alicia Nikitina (1904-1978), Lubov Chernicheva (1890-1976) y Felia Dubrovska (1896-1981)] con levantamientos inéditos, sincopados, elevaciones y descensos, atletismos y postura plásticas muy acusadas. Cabe apuntar que Balanchine revisó la obra continuamente, pues modificó y/o desechó secuencias e incluso fragmentos de la música, además de simplificar el vestuario y eliminar la escenografía.

Si bien el neoclásico fue el estilo que dio fama a Balanchine, su trayectoria también exploró otros territorios en un amplio rango que va del clasicismo a la manera de Petipa, pasando por ballet psicologista, hasta el expresionismo. Otro matiz introducen las inglesas Craine y Mackrell al opinar que la gran aportación de Balanchine fue tomar el ballet clásico de sus raíces de San Petersburgo y redefinirlo en un contexto totalmente diferente y sin trama alguna.

"Su habilidad para honrar la sofisticación técnica y la arrebatadora elegancia del clasicismo ruso del siglo XIX mientras que lo despojaba de su artificio, argumento y teatralidad (extendiéndolo hasta evitar la elaboración de escenografías y vestuarios) permitió el desarrollo del neoclasicismo , una forma en la cual se entrelazan la esencia del ballet ruso con la modernidad y sensibilidad dinámica para una audiencia estadounidense.

Asimismo, los analistas destacan la tendencia en la obra coreográfica de Balanchine de, en general, otorgar igual peso al conjunto que a los solistas al ser evidente que las " habilidades personales se funden con la disciplina del conjunto".

No menos trascendental es su formación de cuadros al mundo de la danza. Una pléyade de maestros, directores de compañía y coreógrafos continúan difundiendo y enriqueciendo el legado artístico de Balanchine en muchas latitudes del planeta, una de ellas es precisamente Gloria Contreras, directora y coreógrafa principal del Taller Coreográfico de la UNAM.

Simbiosis Música-Danza
Uno de los puntos distintivos en las coreografías de George Balanchine es la profunda interrelación entre el movimiento y la música. Craine y Mackrell consideran que en el núcleo de cada obra de Balanchine hay una simple esencia: la danza es música llevada a la vida física.

Si bien esta particularidad se encuentra ya de manera palpable en coreógrafos como August Bournonville (1805-1879), es en Balanchine donde se explora casi hasta el límite esta característica, pues el coreógrafo ruso-norteamericano utiliza un amplísimo espectro musical que va de Juan Sebastián Bach (1685-1750) a Iannis Xenakis (1922-2001). Esto fue posible merced a la sólida formación musical que tuvo Balanchine, quien comenzó su instrucción musical a la edad de cinco años cuando inició sus estudios de piano. Esta se fortaleció en su juventud, ya que ingresó brevemente al Conservatorio de Música de Petrogrado, donde cursó materias tanto de teoría musical como de piano.
Esto le permitió que antes de empezar una coreografía, Balanchine analizara la partitura que había escogido a la manera de un director de orquesta. En algún momento de su estudio de la música, "él decidía qué cualidad de la danza es la que mejor se acomodaba a ella -qué 'paleta de movimientos', como él lo llamaba-, el tamaño del cuerpo de baile que usaría y determinaba quiénes serían los solistas", refiere su biógrafo Bernard Taper.

En los Ballets Rusos conoce al compositor Igor Stravinski quien constituye parte decisiva en la maduración del pensamiento estético y musical del coreógrafo. La relación creativa entre Balanchine y Stravinski fructificó a lo largo de medio siglo.
Una anécdota sirve de ejemplo. En 1940, cuando Stravinski y Balanchine crean Balaustrada, el compositor ruso describió: "Balanchine compuso la coreografía al momento que él escuchaba mi obra grabada. Y yo pude observarlo concibiendo gestos, movimientos, combinaciones y coreografía. El resultado fue una serie de diálogos perfectamente complementarios a y coordinados con los diálogos de la música". Vale la pena mencionar dos breves análisis a coreografías en específico en las cuales Balanchine realiza exitosos experimentos con la relación música-movimiento.

Para el historiador Alfio Agostini en Concierto barroco la danza se presenta como directa emanación de la partitura musical, entendida, a su vez, "como realización sonora de líneas, ritmos y relaciones puras, de las que la coreografía es, pues, la realización plástica. No es, por tanto, la traducción o ilustración de la música, en este caso el Concierto en Re menor para dos violines y orquesta de Bach, sino interpretación de ella, según el propio Balanchine, en contrapunto visual que interesa, exactamente como el arte barroco, no por el tema tratado, sino por los medios formales utilizados... ningún contenido conceptual, narrativo o inmediatamente expresivo puede hallarse en él, ni ningún dato visual que no sea plástico y dinámico de la danza.

Por su parte, Mario Pasi refiere que en Sinfonía en Do , "el perfecto estilo balanchiniano aprovecha a fondo las indicaciones de la música: naturalmente, a cada movimiento corresponde una estructura particular, vivaz en el allegro vivo inicial, dulcemente lenta en el adagio , de nuevo brillante en el allegro vivace , y luego a nivel de virtuosismo en el último allegro , que se concluye en un tutti arrollador, un tableau conclusivo de extraordinario efecto.


Fuentes:
The George Balanchine Foundation:
http://www.balanchine.org/balanchine/index.html

The George Balanchine Trust:
http://www.balanchine.com

Wikipedia:
http://es.wikipedia.org/wiki/George_Balanchine

Danza Ballet:
http://www.danzaballet.com



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José Arcadio Limón

José Arcadio Limón
(Culiacán, 1908 - Flemington, 1972)

Bailarín y coreógrafo mexicano, considerado una de las personalidades destacadas de la danza moderna americana. En 1915 se trasladó con sus padres a Estados Unidos e inició los estudios de bellas artes en Nueva York. Cautivado por un espectáculo de danza a cargo de Harald Kreutzberg e Yvonne Georgi, Limón ingresó en la escuela de Doris Humphrey y Charles Weidman en 1929 y debutó al poco tiempo en la compañía de sus maestros.

Estrenó los ballets Theatre Piece (1936) y El Salón México (1943), además de realizar sus primeras coreografías, entre ellas Dos Preludios (Koven, 1931) y Danza de la Muerte (1937), inspirada en los horrores de la Guerra Civil española.

Compaginó sus actividades en la compañía con la realización de recitales junto a la bailarina May O'Donnell, así como con labores docentes en el Bennington College, Mills College, Connecticut College y Juilliard School de Nueva York. La carrera de Limón empezó a desarrollarse con fuerza a partir de la Segunda Guerra Mundial, tras fundar su propia compañía, con unas coreografías en las que intentaba, y conseguía, expresar la debilidad y complejidad del carácter humano. En este sentido, es especialmente importante su trabajo en The Moor's Pavane, con música de Purcell, sobre el Otelo de Shakespeare. El gesto natural y expresivo, de una acentuada nobleza, fue característico del estilo de este artista.

En 1964 fue nombrado director artístico del recién creado American Dance Theatre de Nueva York.



Fuentes:
Bibliografías y vidas.

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Antonio Ruiz Soler

Antonio Ruiz Soler
(Sevilla, 1921 - Madrid, 1996)

Vida y trayectoria
Nacido en Sevilla en 1921, Antonio Ruiz Soler se inició a muy temprana edad en la danza. A los seis años empieza su aprendizaje en la academia del Maestro Realito, que le inició especialmente en los bailes de palillos. Destaca como niño prodigio y al año siguiente le asignan de pareja a una niña de sus mismas características, la que más tarde se consolidaría como su pareja estable de baile: Rosario. El maestro les lleva a bailar en fiestas y teatros donde actúan profesionales. La primera actuación de este tipo fue en 1928, en el Teatro Duque de Sevilla, a los siete años. Por este mismo año bailó en el Pasaje de Oriente, en una fiesta que se daba en honor del infante D. Carlos, y también dentro del mismo año efectúa su primera salida al extranjero, bailando en la Feria Internacional de Lieja (Bruselas).

En 1929 bailó ante los reyes de España Alfonso XIII y Victoria Eugenia, cuando fueron a presidir la Exposición Iberoamericana de Sevilla (1929). Alternando con las actuaciones teatrales, baila en los cafés concierto, en fiestas privadas y en fiestas tradicionales andaluzas como en las Cruces de Mayo. Es la primera etapa infantil sevillana, en la cual termina de formarse con los maestros de baile Otero, Pericet y se especializa en flamenco con el maestro Frasquillo. Enseguida empieza a trabajar fuera de Sevilla, por el resto de Andalucía, otras provincias y Madrid, donde les llaman Los Chavalillos Sevillanos.

El año 1937 el empresario de variedades Marquesi contrata a la pareja para ir a América, donde entre éste y otros nuevos compromisos, permanecerán doce años.
De vuelta a España, el 27 de enero de 1949, debutan en el Teatro Fontalba, en Madrid y, tras un pequeño recorrido, inician una gira de tres años que se inicia en Europa, recorriendo Francia, Italia, Suiza, Dinamarca, Suecia, Inglaterra, Bélgica y Holanda. Son requeridos para bailar en fiestas de hombres de estado: en España, Francia y Egipto.

En 1952 la pareja Rosario y Antonio, después de haber trabajado juntos durante veintidós años, se separan definitivamente como consecuencia de desavenencias. Rota la pareja, Antonio monta una gran compañía y crea el baile el martinete, estilo flamenco reservado al cante, que acaba interpretando en la película Duende y misterio del flamenco. Asimismo debuta como primera figura en El sombrero de tres picos en el Teatro de la Scala de Milán.

En 1953 presenta al público su primera compañía de ballet: Antonio Ballet Español, compuesto por treinta y cinco bailarines, con Rosita Segovia como primera figura femenina. Con él estrena un buen número de coreografías y triunfa en España y en el mundo.

El año 1962 está marcado por su reencuentro con Rosario. Antonio la presenta como artista invitada dentro de su ballet. Dos años más tarde, hacen juntos una tourneé por varios países.

En 1965, Antonio cambia el nombre de su compañía llamándola desde ahora Antonio y sus Ballets de Madrid.

En 1978, y con vistas a su retirada, preparó una gira de despedida que concluirá el año siguiente, cuando se cumplan sus bodas de oro con la danza.

En 1980 es nombrado director artístico del Ballet Nacional Español del Ministerio de Cultura, cargo que abandona dos años después.

Premios concedidos a Antonio Ruiz:
· Cruz de Isabel la Católica (1950).
· Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (1952).
· Medalla de Oro Extraordinaria Círculo de Bellas Artes (1959-1960).
· Medalla de Oro de la Real Academia Inglesa de la Danza (1962).
· Medalla de Honor de la Naciones Unidas (1963).
· Primer Premio de la Academia de la Danza de París (1963).
· Medalla de Plata al Mérito Turístico (1964).
· Medalla de Oro de la Real Academia de la Danza de Suecia (1964).
· Medalla de la Feria Mundial de Nueva York (1964).
· Medalla de Oro de la Escuela de la Danza de Moscú (1966).
· Premio Nacional de Flamenco de la Cátedra de Flamencología de Jerez (1966).
· Medalla de Oro de la Scala de Milán (1967).
· Placa Conmemorativa del Ministerio de Información y Turismo al Primer Bailarín Español en conmemoración del X Aniversario de su participación en Festivales de España (1967).
· Llave de la Ciudad de San Francisco (California).
· Premio Nacional al Mejor Ballet (1972).
· Medalla de Oro del Spanish Institute de Nueva York (1979).

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Ruiz_Soler
http://www.plusesmas.com/citas/biografias/antonio_ruiz_soler


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Eleonora Cassano

Eleonora Cassano

Eleonora Cassano nació en el barrio porteño de Boedo, donde pasó su infancia y adolescencia. Ingresó como bailarina en el Instituto Superior del Teatro Colón. Fue contratada por la Fundación Teresa Carreño de Venezuela. En la Argentina comenzó a acompañar a Julio Bocca en el Teatro Colón volviéndose su partenaire estable.

Es una de las fundadoras del ballet argentino, realizando varias giras internacionales. En 1996 decidió ingresar al teatro musical con la obra La Cassano en el Maipo y Cassano dancing. Luego protagonizó el papel de Evita en Eva Duarte, una obra de danza-teatro especialmente compuesta para ella. Más recientemente ha estrenado Cinderella Tango Club (2006).

Fuentes:
Bibiografías y vidas

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Deborah Hay

Deborah Hay

Deborah Hay nació en Brooklyn. Su madre fue su primera maestra de danza y dirigió su formación hasta su adolescencia. Posteriormente se trasladó a Manhattan en la década de 1960, donde continuó su entrenamiento con Merce Cunningham y Slavenska de Mia. En 1964, bailó con la compañía de danza de Cunningham durante una gira de seis meses por las principales capitales europeas y por Asia.

Deborah Hay es considerada un auténtico icono, formó parte del grupo de artistas que, en la década de los sesenta en Nueva York, formó el grupo Judson Dance Theater.

Es sin duda una de las artistas más destacadas de la historia reciente de la Danza Contemporánea, realizó importantes estudios sobre el Movimiento, la Notación de la Danza y Formas de Danzas Grupales.

Pertenece a un grupo de artistas llamados experimentales influenciados decisivamente por Merce Cunningham y John Cage. El grupo se conocerá más tarde como el teatro de danza de Judson. Se convirtió en uno de los movimientos de arte del siglo XX más radical y explosivos.

En 1975 publica su primer libro que indaga sobre los proceso crativos y narrativas de la danza, Moving Through the Universe en Bare Feet (Golondrina Press, 1975).

Deborah Hay ha colaborado con muchos artistas como los compositores Pauline Oliveros, Alvin Lucier, Richard Landry, Terry Riley, Ellen Fullman, con la artista Tina Girouard, con la actriz y dramaturga Margaret Cameron, entre otros.

En 2007 recibió un premio de Baxten. En octubre de 2009, la Academia de teatro de Helsinki en Finlandia, le concede el Doctor Honoris en el grado de Danza.

Fuentes:
Sitio oficial: http://www.deborahhay.com/
http://en.wikipedia.org/wiki/Deborah_Hay

Foto:Credit Rino Pizzi © 2009 - Todos los derechos reservados.

David Gordon

David Gordon

Bailarín, coreógrafo, escritor y director teatral, es una de las figuras más importantes del mundo de la danza posmoderna y del performance. Nativo de la ciudad de Nueva York, actuó en las empresas de James Waring y Yvonne Rainer en la década de 1960; también intervino en las interpretaciones de danza de Judson Church y mostró sus montajes de danzas en el teatro de la vida. En la década de 1970 fue miembro fundador del grupo de improvisación, la gran Unión. En 1971, formó la Pick Up Performance Company (En 1978 se constituyó como una organización sin fines de lucro), que ayuda a apoyar y administrar sus trabajos en vivo y en los medios de comunicación.

Es miembro de Guggenheim (1981 y 1987) y ha sido panelista y Presidente del grupo de programa de danza de la National Endowment for the Arts. Su trabajo de vídeo ha aparecido en Great Performances, KTCA de Alive TV, la BBC y Channel 4 en el Reino Unido.

¿Los misterios y What's So Funny? (1991), escrita y dirigida por Gordon con música de Philip Glass y diseño artístico realizado por Red Grooms, fue galardonado con un premio de Bessie y un Premio Obie. La secuencia de comandos se publicó en Grove New American Theater, editado por Michael Feingold.

Gordon colaboró con su hijo, el dramaturgo Ain Gordon en la empresa familiar, que se estrenó en el taller de teatro de la danza en la ciudad de Nueva York en febrero de 1994, recibió otro premio Obie y fue presentado en el taller de teatro de Nueva York y en el Foro de Mark Taper en los Ángeles en 1995.

En 1994, para el teatro de repertorio estadounidense (ART) en Cambridge (Massachusetts) y el Festival de teatro de música estadounidense (AMTF) en Filadelfia, Gordon había dirigido y coreografiado la producción original de Shlemiel la primera, adaptada por Robert Brustein, de las historias de Isaac Bashevis Singer y establecer a la música klezmer tradicionales con nuevas letras por Arnold Weinstein. Posteriores producciones han sido vistas en el Playhouse de Geffen en los Ángeles (para los que Gordon ganó premios de Dramalogue por la mejor dirección y coreografía en 1997) y el teatro de Conservatorio estadounidense (ACT) en San Francisco. El show también viajó a lo largo de Florida y en Stamford, Connecticut.

En 2004, Gordon hizo Dancing Henry V, que utilizaba música de William Walton para el cine de Laurence Olivier de Shakespeare Enrique V, así como el diálogo de la película y los registros y recitaciones dramáticas del texto para Christopher Plummer y otros. Esta producción se ha visto en Nueva York, Minneapolis y Lawrence, Kansas, la Universidad de Maryland, Lexington, Kentucky y San Francisco.

Gordon también ha adaptado y dirigido el Asiento de Eugene Ionesco (Presentado en Londres, Seattle y en la Academia de música de Brooklyn en Nueva York), Aves Aristófanes (2006, como
"Aristófanes en Birdonia") y The Roundheads y el Pointheads por Bertholt Brecht y Hanns Eisler (2002-2009, como Guerras Incivil). Gordon ha coreografiado danzas para, entre otras compañías, el American Ballet Theatre, Teatro de Danza de Harlem y White Oak Dance Project de Mikhail Baryshnikov, para quien también escribió y dirigió un programa retrospectivo de la danza posmoderna, en el año 2000.

David Gordon es miembro de the Actors Studio y uno de los fundadores del centro de investigación de Creative. Está casado con Valda Setterfield, una bailarina y actriz que durante muchos años fue un destacado intérprete con la compañía de danza de Merce Cunningham. Ella aparece regularmente en la obra de Gordon y ha sido mencionada como su "musa".


Fuente:
http://en.wikipedia.org/wiki/David_Gordon_(choreographer)

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Victor Ullate

Victor Ullate

Nacido en Zaragoza, Víctor Ullate estudia con María de Ávila e inicia su carrera profesional con Antonio Ruíz Soler. Más tarde se incorpora en los Ballets del Siglo XX bajo la dirección de Maurice Béjart, compañía en la que permanece catorce años y para la que interpreta numerosos primeros papeles.

En 1978 Béjart crea para él Gaité Parisienne, basada en su biografía, en la que Ullate interpreta el papel del propio Béjart.

En 1979 el gobierno español le encomienda la formación de una compañía de ballet clásico, la primera del país, que dirige durante cuatro años.

En 1983 crea la Escuela que lleva su nombre “CENTRO DE DANZA VÍCTOR ULLATE”.

Este Centro es la cantera, de la que surgirá el BALLET VÍCTOR ULLATE, que se presenta con 22 bailarines en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 28 de Abril de 1988, obteniendo un gran éxito de público y crítica. Desde entonces la compañía ha seguido cosechando éxitos por todo el mundo bajo la dirección del propio Ullate.

A lo largo de estos años, Víctor Ullate ha sabido plasmar en su Ballet una identidad propia a través de un amplio repertorio de coreografías.

En 1989 Víctor Ullate obtiene el PREMIO NACIONAL DE DANZA, en 1996 le es concedida la MEDALLA DE ORO DE LAS BELLAS ARTES, en Abril de 2007 le es otorgado el premio de la Fundación Autor, y en 2008 le es concedido el PREMIO MAX DE HONOR por su trayectoria artística.


Fuentes:
https://www.victorullateballet.com/

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Anna Halprin

ANNA HALPRIN

A finales de los 50, la bailarina Anna Halprin inició una transformación pionera del concepto tradicional de la danza como manifestación artística. Dicho proceso implicó trasladar dicha disciplina desde la categoría exclusiva de la danza como arte de performance y la puso en el contexto universal de la danza como arte de sanación.

A principios de los 60, Anna comenzó a colaborar con otros artistas y líderes en un movimiento que sería el puente entre diferentes campos artísticos y de conocimientos como son la Danza y el Movimiento, el Arte, la Performance, la Psicología y la Educación. Estas colaboraciones incluyeron intercambios entre los bailarines del grupo de Anna y de Fritz Perls (fundador de la Terapia Gestalt), y también de Moshe Feldenkrais (Conciencia a través del Movimiento), de Carl Rogers (Enfoque Centrado en la Persona), y Thomas Gordon (Comunicación Confluyente). Los bailarines del grupo también colaboraron con el esposo de Anna, el diseñador Lawrence Halprin, el grupo Fluxus de Nueva York, y otros en el movimiento denominado de "Avant Garde".

Las preguntas exploradas fueron:

¿que nos puede decir el arte “aquí y ahora” acerca de la experiencia de ser humano?

¿Qué conocemos a través de la experiencia, y qué podemos aprender acerca de la conexión Cuerpo - Mente - Espíritu en nuestras vidas hoy en día?

Influenciada por estas colaboraciones y por su propio trabajo con los bailarines y artistas que se reunían a su alrededor, emergió lo que Anna Halprin llamó “Proceso Vida-Arte” –un enfoque que se sustenta trabajando con las experiencias de vida, estas experiencias de vida se convierten en las únicas referencias que dan origen a la expresión artística. Desde sus comienzos, el trabajo tuvo una base fuerte en el aprendizaje grupal, la creatividad y las experiencias de quienes trabajaban con ella. El trabajo se trasladó a otros espacios que se extendieron más allá del escenario tradicional: las calles de las ciudades, los ambientes naturales, son ejemplos de los espacios alternativos en los cuales se aventuró a explorar Anna Halprin.

Anna Halprin ha sido pionera por sus trabajos y estudios que conllevaron la exploración de la danza, desde finales de 1930, buscando otros enfoques y campos de acción y actuación, inspirando a muchos coreógrafos de su época que finalmente iniciaron una senda novedosa de la danza moderna ampliando sus dimensiones, cuyos resultados y aportaciones han sido notables. El crítico y estudioso de las artes escénicas James Roose–Evans autor del "Teatro Experimental" se refiere a ella, Anna Halprin, como uno de los más importantes artistas de teatro del siglo XX.

Anna fundó en 1955 el innovador "San Francisco Dancer's Workshop" y en 1978 el "Tamalpa Institute" con su hija, Daria Halprin. Entre sus estudiantes cuenta con algunas de las figuras más importantes de las artes escénicas de la época como son: Meredith Monk, Trisha Brown, Yvonne Rainer, Simone Forti, Ruth Emmerson, Sally Gross... Durante muchos años sus centros experimentales se han convertido en un auténtico refugio exploratorio para numerosos bailarines y coreógrafos, incluyendo Merce Cunningham, Eiko y Koma y Min Tanaka; compositores como John Cage, Luciano Berio, Terry Riley, LeMonte Young y Morton Subotnick; artistas visuales, como Robert Morris y Robert Whiteman; poetas como Richard Brautigan, James Broughton y Michael McClure; y muchos otros más.

Halprin es una pionera en el desarrollo de las artes expresivas de curación a través del movimiento. Ha conducido innumerables programas de danza de colaboración con enfermos. También ha investigado numerosas cuestiones sociales a través de la danza y a través de innovadoras representaciones teatrales. Durante el último decenio, llevó a cabo el proyecto "Círculo de la tierra", una Comunidad Contemporánea de Danza Ritual para hacer frente a cuestiones de la vida real, que enfrentan las comunidades participantes alrededor del mundo. Su "Planetary Dance: A Prayer for Peace" entre los pueblos y la tierra se escenificó en Berlín en un evento que conmemoraba el 50 aniversario de la firma del Tratado de Potsdam, el fin de la II Guerra Mundial y donde participaron más de 400 personas. En 1995, fue invitada por Mijaíl Gorbachov para presentar una "invocación" en el estado del Foro Mundial en California.

Halprin ha creado más de 150 obras de teatro de danza de larga duración, que son ampliamente documentadas en fotografías, libros y en una película. Asimismo su trayectoria fué ampliamente reconocida con la consecución de importantes premios y menciones honoríficas, incluyendo el que logró por una vida dedicada a la Coreografía del "American Dance Festival". Ella es la autora de tres libros y ha editado numerosas vídeos sobre de sus trabajos. Ha recibido numerosos premios y menciones honoríficas de las instituciones siguientes: National Endowment for the Arts, the Guggenheim Foundation, the American Dance Guild. En 1997, recibió el Premio de "Scripps de H. de Samuel" por su trayectoria en la danza moderna desde el Festival de danza estadounidense. La prestigiosa institución americana "Dance Heritage Coalition" nombró a Anna Halprin como “America’s Irreplaceable Dance Treasures.”


Fuentes:
http://www.annahalprin.org/about_bio.html
http://www.tamalpa.org/about/index.html

Video de Anna Halprin
http://www.garagetv.com/video-gallery/the_borg/breath_made_visible_anna_halprin_trl_.aspx

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Alexander Godunov

Alexander Godunov
Rusia (1948 - 1995)

Bailarín y actor ruso nacido el 28 de Noviembre de 1948 en Ujno-Sakhalin, URSS, y fallecido en mayo de 1995 en West Hollywood, California. Rubia estrella que desertó del Ballet Bolshoi en 1979. Colega de Mikhail Baryshnikov, se convirtió en una de las principales figuras del American Ballet Theatre, hasta 1982 donde bailó como artista invitado en otros grupos. Trabajó en el especial del director Peter Weir Godunov: The World to Dance In, (PBS, 1983). Debutó en cine en el thriller TESTIGO EN PELIGRO (1985).

A diferencia de Baryshnikov, Godunov eligió no trabajar en películas referidas a la danza, por lo que su carrera se desvaneció rápidamente, aunque a ello influyó notablemente el alcohol que finalmente lo llevó a la muerte. Su rubia y larga melena y su presencia intimidante lo ayudaron en papeles como el arrogante director de HOGAR DULCE HOGAR (1986), el villano de DURO DE MATAR (1988) y el incestuoso de WAXWORK II: LOST IN TIME (1992). Su último trabajo fue la comedia REGRESO A CASA (1994), conKelly McGillis.

Diana Vishneva

Diana Vishneva

Diana Vishneva (nacida el 13 de julio de 1976) fúe primera bailarina con el Ballet Kirov en Rusia y con el American Ballet Theatre en los Estados Unidos. Nació en San Petersburgo y fue entrenada en el Instituto coreográficos de Vaganova y tras su graduación en 1995, se unió a la compañía del teatro Mariinsky. Allí, en 1996 fue promovida al nivel de bailarina principal. Mientras que en la escuela de Vaganova, consiguió las calificaciones más altas que se conocen en la historia de la escuela.

Tiene en su haber un amplio repertorio de funciones con algunas de las mejores compañías de Ballet, entre las cuales destacamos las siguientes: Don Quijote, Romeo y Julieta, la bayadera, la Bella Durmiente, el Lago de los Cisnes y Giselle. Ella también interpretó obras de coreógrafos más modernos, especialmente los de George Balanchine, William Forsythe y las de Roland Petit.

Los elogios de la crítica fueron constantes por algunas de sus memorables interpretaciones como Giselle y Manon de Kenneth MacMillan. Entre sus compañeros se encuentran bailarines de la talla de Ángel Corella y Vladimir Malakhov. Además de bailar con el Ballet Kirov, Vishneva ha trabajado con muchas compañías de ballet, incluyendo no sólo el American Ballet Theatre, pero también el Bolshoi Ballet y el Ballet de la Ópera de París.

Fuente:
http://en.wikipedia.org/wiki/Diana_Vishneva

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Carla Fracci

Carla Fracci

Carla Fracci, nació en Milán en 1936. Estudió en la Escuela de Ballet de La Scala de Milán desde 1946 con Vera Volkova y otras, donde se graduó en 1954.

Fué promovida como solista en 1956 y posteriormente nombrada directora en 1958. En La Scala se creó Julieta en Romeo y Julieta de Cranko (1958) y Elvira en Don Giovanni de Massine (1959). Posteriormente se incorporó a otras muchas compañías como la London Festival Ballet en 1959 y 1962, el Royal Ballet en 1963, el Ballet de Stuttgart en 1965 y el Real Ballet de Suecia en 1969. Desde 1967 fue artista principal invitada del American Ballet Theatre.

Ella es conocida por su interpretación en los papeles románticos. Giselle fue su mayor éxito, bailó con grandes bailarines como con Rudolf Nureyev, Vladimir Vasiliev, Kronstam Henning, Mikhail Baryshnikov y, sobre todo Erik Bruhn. Su inolvidable Giselle con Bruhn fueron filmados en 1969. Otros grandes papeles interpretados fueron Sylphide, Swanilda y Julieta.

Fue directora del Ballet de Nápoles entre 1990 y 1991, y posteriormente entre 1995 y 1997 en Verona. En la actualidad dirige el Ballet de la Ópera de Roma.

Fuente:
http://www.ballerinagallery.com/fracci.htm

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Margot Fonteyn

Margaret Hookham
(Reigate, 1919 - Ciudad de Panamá, 1991)

Bailarina británica, hija de un ingeniero irlandés y de una brasileña, Fonteyn comenzó sus estudios de ballet en la ciudad de Hong-Kong, donde su familia se había instalado temporalmente, y en Shangai con Hilda Bosustov y George Gontcharov. En 1933 regresó a Londres y tuvo ocasión de estudiar con Serafina Astafieva, tras lo cual ingresó en la Escuela del Vic-Wells Ballet un año más tarde, con cuyo cuerpo de baile debutaría en 1935 en Cascanueces; ese mismo año, Alicia Markova se marchó de la compañía, lo que dio a Fonteyn la oportunidad de interpretar muchos de sus papeles, entre los cuales destacó especialmente el de Criolla en Río Grande.

Pronto fue ascendida a ballerina principal de la compañía, que pasó a llamarse Sadler's Wells Ballet y finalmente Royal Ballet, en 1946 y 1956, respectivamente. Siguió una temporada de fulgurantes estrenos, con ballets especialmente creados para ella por Frederick Ashton. Su primer papel principal completo en un ballet de repertorio lo tuvo en Giselle (1937), que fue seguido de sus particulares interpretaciones de Aurora en La Bella Durmiente (1939) y Odette-Odile en El Lago de los Cisnes (1949).

Su elegante línea y refinado estilo, que hacían de ella el símbolo por excelencia de la bailarina clásica, fueron causa de que muchos otros coreógrafos realizaran ballets para ella. Así, estrenó Hamlet (1942), de su inseparable partenaire Robert Helpmann, Les Demoiselles de la Nuit (1948), de Roland Petit con los Ballets de París, Poème de l'extase (1970), de John Cranko con el Ballet de Stuttgart y The Scarlet Pastorale (1975), de Peter Darrell. En diciembre de 1955 contrajo matrimonio con el Roberto Arias, diplomático panameño que quedó imposibilitado en 1964 a causa de un disparo en un atentado.

En 1962, cuando Fonteyn ya había sido nombrada artista invitada del Royal Ballet y su carrera comenzaba a declinar, conoció a Rudolf Nureyev, bailarín ruso que acababa de desertar de su país y había fijado su residencia en Londres. Pronto fueron famosos y alabados por todo el mundo, tanto por su impecable interpretación de los ballets del repertorio tradicional como por las coreografías que se crearon especialmente para ellos. Fonteyn intervino también en diversas producciones cinematográficas y ballets televisivos.

Musa inspiradora
La bailarina y coreógrafa Ninette de Valois que también tenía una escuela de Danzas en donde Fonteyn aprendía y perfeccionaba sus conocimientos, fue la musa inspiradora de esta última. Fonteyn consideraba a Valois como una mujer impredecible y maravillosa y una excepcional bailarina que despertaba en ella -aún más- su amor por la danza.

Curiosidades
Era tan grande la pasión que despertaban en el público las actuaciones de la pareja de Fonteyn junto a Nureyev que llegaban a provocar hechos insólitos en sus actuaciones. Tal es así que durante una función en Viena, fueron llamados ochenta y nueve veces a escena para saludar al público presente en la sala que vibraba de emoción y entusiasmo.
Fonteyn se retiró en el año 1970, pasados los 50 años de edad (lo que era toda una hazaña para una bailarina con tanta continuidad en la actuación y con tanta desenvoltura y agilidad que sorprendía notablemente a su público, como a los críticos en la materia). A partir de entonces se instala definitivamente en Panamá.

Fuentes:
http://www.biografiasyvidas.co
http://es.wikipedia.org/wiki/Margot_Fonteyn

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